Artiste visuelle finlandaise Jonna Kina

L’artiste visuelle finlandaise Jonna Kina a une façon unique de voir le monde. Elle travaille sur une variété de médiums, y compris l’installation, la sculpture et la vidéo. Dans sa dernière série de travaux, elle s’est concentrée sur le court métrage : « Akiya », « Somniv » et « Arr. for a Scene », qui a été exposée à l’exposition printanière de Charlottenborg à Copenhague en 2020.

Chaque film a sa propre vision de la réalité. Dans « Arr. pour une scène », elle pointe vers l’hyper-réalité du son dans les films. « Akiya » met en lumière les détails complexes de la narration et de l’interprétation, et dans « Somnivn », elle confronte notre expérience des carrières artificielles.

Kina a étudié dans sa Finlande natale ainsi qu’à New York et Jérusalem. Son art explore le pouvoir du son ainsi que le concept de réalité contre façade.

Nous avons parlé à l’artiste finlandaise Jonna Kina de l’importance du son dans son art, de son processus de création et de ce qui s’en vient cette année :

Commençons par parler de votre film « Arr. Pour une scène. Comment cela est-il arrivé et quel est l’effet recherché ?

C’était un long processus. Avant ce film, j’ai créé une série de photographies intitulée « Foley Objects ».

Les bruiteurs sont des personnes qui recréent le son pour des films et d’autres projets audio afin d’améliorer la qualité de l’audio. Dans la série, j’ai dépeint des objets utilisés par les bruiteurs et les ingénieurs du son lorsqu’ils créent des effets sonores dans la post-production de films, d’animations et de documentaires.

Au début, j’ai contacté plusieurs bruiteurs et sound designers pour mes recherches. J’ai eu la chance de suivre de près les artistes pendant qu’ils reproduisaient et enregistraient ces effets sonores dans le studio d’enregistrement. Cette expérience a approfondi ma compréhension et m’a aidé à composer l’œuvre finale.

Dans « Arr. Pour une scène » J’ai travaillé avec deux bruiteurs français, Élodie Fiat et Gilles Marsalet. Dans le film, ils interprètent des sons pour la scène de la douche de « Psycho » d’Alfred Hitchcock. La position de la caméra et le fait qu’ils la regardent droit sont devenus une partie essentielle du travail. Je voulais arriver à ce genre de situation de « cinéma inversé » où le spectateur devient une partie active du film.

De plus, il était important pour moi de révéler que les sons que créent les bruiteurs ont parfois une logique surréaliste. Le pouvoir de l’illusion sonore est très omniprésent, notamment au cinéma. Les sons Foley sont utilisés pour améliorer l’expérience audio dans les films; parfois ce que nous entendons dans les films a un sens d’hyper-réalisme, quelque chose au-delà de la façon dont la même chose sonnerait dans la vraie vie.

« Akiya » et « Somnivn » ont tous deux une manière expressive d’explorer la réalité. Pouvez-vous parler de ces films ?

Je m’intéresse au rapport entre artifice et réalité et au mécanisme de la traduction. Je pense que ces éléments sont présents dans ces deux œuvres. L’absence est un facteur essentiel.

Dans « Somnivm », on voit un paysage, mais en fait, ce n’est pas la véritable documentation du paysage. Au lieu de cela, j’ai manipulé le paysage en post-production et effacé presque tous les éléments et objets qui font référence à l’industrie des carrières contemporaines. Ce petit acte de création de fiction a été transformateur.

Le son est basé sur les enregistrements de terrain réalisés sur place par Nassim El Mounabbih. La réponse impulsionnelle a également été utilisée lors des enregistrements, si bien que Nicolas Becker et Maxence Dussere, qui ont créé la conception sonore du film, ont pu reconstituer l’acoustique du site. Le film et le son sont, en un sens, un mélange de réel et d’artificiel.

Dans « Akiya », j’ai travaillé avec une voix humaine. Dans le film, nous voyons un magnétophone à bobine jouer une chanson qui raconte une histoire contemporaine de maisons abandonnées et vides au Japon dans le style de l’ancien nō, forme théâtrale traditionnelle japonaise.

Nous ne voyons pas de maisons vides ni d’images de bâtiments inhabités. La chanteuse de Nō Ryoko Aoki a interprété la chanson du film. Les paroles du poème sont basées sur des articles de journaux contemporains traitant du thème des maisons vacantes. Ces textes sont récités en japonais médiéval de la période Muromachi. Avec la méthode d’utilisation du nō, j’ai pu interpréter ce phénomène absurde, et donc tragique, comme un récit mythologique.

Pouvez-vous parler du rôle du son dans votre travail

Le son nécessite une écoute. L’écoute est un élément crucial de la façon de créer et de gérer le son. Lorsque nous parlons de son, nous parlons également d’écoute et de la qualité de notre écoute. Nous parlons de ce que nous écoutons, où et comment l’acoustique joue un rôle. Parfois, lorsque nous entendons un son spécifique dans un espace acoustique particulier, il peut être différent lorsqu’il est entendu dans un environnement ou un espace différent.

Il y a tellement d’aspects dans le son, mais je pense que l’écoute est essentielle car cela amène la comparaison active avec la lecture d’un livre ou la confrontation à une œuvre visuelle.

Expliquez-nous votre processus de création.

Dans mon processus, je suis souvent confronté aux limites du matériel avec lequel je travaille. Par exemple, lorsque je travaille avec un film 35 mm, les questions techniques et les exigences font partie du processus. Alors, je vais du concept ou de l’idée aux limites de leur résolution. Dans « Arr. for a Scene » et « Akiya », nous avions plusieurs questions techniques à résoudre avec le directeur de la photographie Ville Piippo, car la chorégraphie était stricte et réalisée en une seule prise. Parfois, ces restrictions techniques font partie de l’ensemble du processus et peuvent fonctionner comme une méthode structurelle au niveau conceptuel.

Lorsque je démarre le processus de travail, je pars de l’idée et j’essaie de configurer quelle est la bonne forme pour l’idée. Ce n’est qu’alors que je choisis le médium. Je pense qu’il est pertinent pour ma pratique que la forme suive le concept, plutôt que l’inverse.

Qu’est-ce qui s’en vient pour vous ?

Je pars en résidence d’artiste au Danemark, en janvier 2021 ; Je serai à Æbletoft pendant trois mois.

J’ai une exposition à OK Corral avec les artistes Jens Settergren (DK) et Alison Nguyen (US). Nous nous sommes rencontrés à l’ISCP alors que je suivais un programme d’artiste en résidence de six mois à New York l’année dernière. Avec cette exposition, nous aurons l’occasion de montrer nos dernières œuvres à Copenhague en mars 2021.

Où les gens peuvent-ils trouver votre travail ?

Sur mon site internet !

Pour plus d’interviews d’artistes, consultez notre série Artist Spotlight.